Ob für die Presse oder zur persönlichen Weiterentwicklung, die darstellenden Künste können außer Kontrolle geraten. Von expliziten sexuellen Handlungen bis hin zu lebensbedrohlicher Gewalt – die extremsten Beispiele verschwinden aus der Kunstwelt und erschrecken die breite Öffentlichkeit. Hier sind die 10 berühmtesten.
10. 100. Action von Herman Keach (1998)
Teil Wiener Aktionist Herman Nitschs Werke sind oft blutig und bewusst schockierend. Unter dem Banner seines Orgiastischen Mysterientheaters inszenierte er neben anderen irdischen Freuden Szenen von Tieropfern und Menschenfolter. Aber sein Opus Magnum war sein sechstägiges Theaterstück von 1998. Alle seine frühen Arbeiten waren nur Vorbereitungen.
100. Aktion“ (Anmerkung: Das obige Video hat nichts mit diesem Stück zu tun, soll Ihnen aber einen guten Eindruck von seiner Arbeit vermitteln) fand in seinem statt Ihr eigenes privates Schloss mit seinem weitläufigen Gelände, weitläufigen Weinbergen und unterirdischen Tunneln. Obwohl 100 Schauspieler anwesend waren, wurden die „eigentlichen Ereignisse“ des Stücks vom Publikum (500–1000 Gäste) „dargestellt“. Zusätzlich zu den Schauspielern spielten 180 Musiker, darunter ein Orchester, Blaskapellen und Wirtshauskapellen, eine eigens komponierte 1.595 Seiten umfassende Partitur. Für die Aufführung wurde auch ein Glockenturm mit fünf Kirchenglocken errichtet.
Zu den Vorräten gehörten 13.000 Liter Wein („um die berauschende, unbändige Freude hervorzurufen, die die Partitur verlangt“), 10.000 Rosen, 1.000 Liter Blut sowie tote Schweine und Schafe, 60 Keilrahmen, über 10.000 Meter Leinwand (für „Malerei“) Stock" am zweiten Tag) und 5.000 Fackeln für Nachtparaden. Auch am fünften Tag wurden zwei Kampfpanzer eingebracht.
Doch der Schockwert der Arbeit lag nicht nur im Übermaß. Zur Aufführung gehörte auch die Schlachtung von drei lebenden Bullen – jeweils einer am ersten, dritten und fünften Tag. Die Idee war, zu zeigen, was verborgen ist. Auch wenn sie aus einem Schlachthof genommen würden, würden sie getötet. Wie Nitsch es ausdrückt: „Die Gesellschaft hat die Tiere getötet … nicht ich.“ Eigentlich war dies der Zweck des sechstägigen Stücks – die Tatsachen der Existenz aufzudecken – „von den erhabenen Gefühlen des Glücks und der Ekstase ... bis zu den tiefsten Abgründen, dem Ekel, der bestialischen Zerstörungswut der dunkelsten inneren Impulse.“ . (Sechs Tage beziehen sich auf die christliche Schöpfung.)
Dies war jedoch nicht nur Symbolik. Auf die Frage, warum den Teilnehmern manchmal gefesselt und die Augen verbunden seien, antwortete Nitsch einfach so er mag es .
9. Solo Christos von Sebastian Horsley (2000)
Sebastian Horsley war ein Künstler, der ein Problem hatte: Er konnte nur malen, was er erlebt hatte. So begründete er zumindest seine Entscheidung, auf den Philippinen ans Kreuz zu gehen; er wollte die Kreuzigung zeichnen.
Um Erfahrungen zu sammeln, ging er in das Dorf San Pedro Cutud, wo jedes Jahr in der Karwoche junge Menschen mit Nägeln an Händen und Füßen gekreuzigt werden. Sie werden nicht bestraft oder getötet; Es ist ihre Art, sich Gott näher zu fühlen.
Horsley war nicht der erste Ausländer, der ein Kruzifix für sich selbst suchte. Tatsächlich haben Einheimische Ausländern bereits die Teilnahme verboten, nachdem ein Japaner Aufnahmen seiner eigenen Kreuzigung als sadomasochistische Pornografie verkauft hatte. Nach langem Überreden und Bestechung wurde Horsley jedoch eine relativ zurückhaltende Sitzung gestattet, die von einem befreundeten Fotografen dokumentiert wurde.
Es endete nicht gut. Bewusstlos vor Schmerzen stürzte er nach vorne und brach dabei die Gurte an seinen Handgelenken und Armen, die sein Gewicht tragen und Schäden durch die Nägel minimieren sollten. Auch die Plattform, die seine Beine stützte, fiel herunter. Horsley brach zu Boden , und die Dorfbewohner rannten schreiend davon. Es war, wie er später sagte, eine Tat Gottes, an die er nicht glaubte.
Die Reaktion zu Hause kam noch schlimmer zur Verletzung. Die britische Presse war nicht nur typisch brutal, mit Schlagzeilen wie „Der Künstler kreuzigt sich selbst“, sondern auch die Kunstwelt war abweisend.
8. „Dinner – Eating People“ von Zhu Yu (2000)
Der chinesische Künstler Zhu Yu wollte wie Feng Boyi und Ai Weiwei den Schock als politisches Statement verstehen. „Dinner – Eating People“ ist eine Fotoserie, die Zhu beim Nahrungssuchen, Kochen und Essen zeigt sechs Monate alter menschlicher Fötus mit gleichgültigem Blick.
Die Fotos sind schrecklich, egal wie man sie betrachtet, aber obwohl die Frucht echt ist, ist sie keineswegs frisch. Man sieht, dass es mit Formaldehyd getränkt ist. Selbst nach dem Kochen tat er nur so, als würde er hineinbeißen.
Sobald die Fotos jedoch online waren, verloren sie jeglichen Kontext. Die Leute sahen in ihnen Beweise: eine Tendenz, Babys zu essen, was die Coronavirus-Pandemie verursachte ; unter Tage Taiwanesische Embryo-Küche ; Das Essen abgetriebener Föten wurde legalisiert in China; usw. Anscheinend zufrieden mit den Ergebnissen seines „Experiments“, filmte Zhu sich zwei Jahre später dabei, wie er mit einer Prostituierten verhandelte, um ihm zu erlauben, sie zu schwängern und sie dann abzutreiben, um den Fötus an einen Hund zu verfüttern, was er offenbar auch getan hatte. später im Film.
7. „Das Bett“ von Vito Acconci (1972)
Drei Wochen lang konnte man den Besuchern der Sonnabend Gallery in Soho jeden Mittwoch und Samstag glauben, dass nichts passierte. Raum A war völlig leer. Doch als sie die Rampe hinunter in den Raum gingen, begann Vito Acconcis „Seedling Bed“.
„Du drückst... auf meinen Mund“, kam seine Stimme aus den Lautsprechern. „Ich werde meine Augen in deinen Haaren vergraben.“
Unter ihren Füßen versteckt, innerhalb der Rampe, masturbierte der Künstler immer wieder. Er nutzte das Geräusch ihrer Bewegungen, um seine sexuellen Fantasien anzuregen, die er ins Mikrofon erzählte. Er wurde immer atemloser (und bildlicher) und erreichte seinen Höhepunkt mit Worten wie „Ich habe das für dich getan, ich habe dir das angetan, ich habe dir das angetan …“ Dann fing er wieder mit der nächsten Person an.
Das Metropolitan Museum of Art nannte es "Originalarbeit". Ziel sei es ihnen zufolge, „eine enge Verbindung zwischen Künstler und Publikum herzustellen, auch wenn diese füreinander unsichtbar blieben“. Außerdem... es waren die 70er Jahre.
6. „Resonate/Obliterate“ von Ron Oni (2011)
Die Feier zum 50. Geburtstag von Ron Athy sollte blutig werden. Er ist ein queerer Künstler, der für seine Selbstverstümmelung und sein Blutvergießen bekannt ist. Basierend auf seiner pfingstlichen Kindheit und seinem HIV-positiven Status umfasste seine Arbeit das Narbenmachen, Brandmarkieren, Nähen, Eindringen und Einhaken. Laut ihm, in seinen Werken er spielt immer„entweder mit Fleisch oder mit Flüssigkeit oder mit Blut“ .
Und sein 50. Geburtstag war keine Ausnahme. Im Artikel berechtigt „Resonieren/Auslöschen“ Man sieht ihn beim Yoga in einer Glasbox, nackt, aber mit einer langen blonden Perücke, die mit Nadeln am Kopf befestigt ist. Er kämmte seine Haarverlängerungen aggressiv im Takt des „futuristischen Soundtracks“. Dann stapelte er es, um sein Gesicht zu zeigen, und nahm die Nadeln heraus. Das Blut floss „wie Christus, der mit Dornen gekrönt ist“.
Schließlich schmierte Atey das mit Blut vermischte Gleitmittel über seinen Körper, „warf seine Faust in den Mastdarm und ... lachte triumphierend.“ Nach der Show stellte er seinen Blutzuckerspiegel mit einer Geburtstagstorte wieder her.
5. „Ohne Titel“ von Aliza Schwartz (2008)
Aliza Schwartz, Kunststudentin aus Yale, erlangte 2008 sofort Berühmtheit, als die Nachricht von ihrer unbetitelten Abschlussarbeit vom Campus an die Presse durchsickerte. Mit dem Sperma von Spendern (oder „Herstellern“, wie sie sie nannte) befruchtete sie sich im Laufe eines Jahres wiederholt zwischen dem neunten und fünfzehnten Tag ihres Menstruationszyklus künstlich. Anschließend nahm sie pflanzliche Heilmittel ein, um die Schwangerschaft am 28. Tag jedes Zyklus abzubrechen. Obwohl sie sich nie sicher war, ob sie tatsächlich schwanger war, bekam sie in der Folge Krämpfe und starke Blutungen.
Nachdem sie dieses Blut gesammelt hatte, plante sie im Rahmen ihrer Arbeit eine skulpturale Installation; Aber als die Washington Post Wind von der Geschichte bekam, Die Yale University übernimmt Renovierungsarbeiten . Die Universität verbot die Skulptur und belog die Presse mit der Behauptung, Schwartz habe das Ganze erfunden. Sie, ihrer Meinung nach, hat sich nie selbst befruchtet für dieses Stück. Schwartz bestritt ihr Dementi und die Geschichte ging im Internet viral.
Rückblickend bemerkte sie, dass in Ermangelung jeglicher greifbarer Elemente (Skulptur, Video, Fotografien usw.) „Das Werk existiert nur als Erzählung.“ Was die Bedeutung ihrer Arbeit betrifft, so sollte sie „Fragen der materiellen und diskursiven Reproduktion eröffnen“. Was natürlich passiert ist.
4. „Ohne Titel“ Lai Thi Dieu Ha (2011)
Die in Hanoi lebende Künstlerin Lai Thi Dieu Ha ist für ihre erforschenden Performances bekannt geworden Sexualität und Tabus in Vietnam . Ihrer Meinung nach ihre Arbeit „über staatliche Kontrolle, kulturelle Zensur.“ In der vietnamesischen Presse ist sie es, die für Aufsehen sorgt ( schwule Gesellschaft ).
In „Fly Up“ ( Bay Len ) zog sie sich nackt aus und bedeckte sich mit Klebstoff und blauen Federn, bevor sie Vogelbewegungen ausführte. Dieses Stück endete mit der Freilassung eines lebenden Vogels aus dem Maul.
Doch es war ihr nächstes Werk, das die meiste Aufmerksamkeit auf sich zog. IN dieses unbenannte Werk Sie hielt die heißen Eisen an die Masse der Schweineblasen und ließ sie dann über ihre Arme, Beine und ihr Gesicht gleiten. Dann drückte sie die Eisen gegen ihre Hände, befestigte die Blasen und verursachte Blasen auf der Haut, bevor sie die verbrannten Teile abzog.
3. „Shoot“ von Chris Burden (1971)
Chris Burden war entschieden gegen Krieg, insbesondere wenn es um Vietnam ging. Als Performancekünstler drückte er seine Solidarität mit den Opfern schockierender Gewalttaten gegen ihn aus. Beispiele hierfür sind die Kreuzigung auf einem VW-Käfer, der Sturz über zwei Treppen und Einsperren in einen Schulspind mit einer Flasche oben zum Trinken und einer Flasche unten zum Pinkeln. Er ließ sich auch vom Publikum mit Nadeln anstecken.
In dem Werk „Shoot“, für das er vor allem bekannt ist, schießt sein Freund aus nächster Nähe mit einem Gewehr auf ihn. Allerdings waren nur wenige Gäste in der Galerie – allesamt Freunde des Künstlers. Aber der Moment wurde auf Super-8-Film festgehalten. Auf dem Filmmaterial sehen und hören wir Schüsse, das Opfer stolpert nach vorne und die Granate schlägt auf dem Boden auf.
Die Waffe ging daneben. Die Kugel hätte eigentlich nur seinen Arm treffen sollen, aber stattdessen ging sie direkt durch und zwang Burden und seine Kompanie, ins Krankenhaus zu eilen Lassen Sie das Personal über den Grund im Unklaren . Obwohl er das damals vielleicht nicht geglaubt hatte, war es tatsächlich besser für diesen Gegenstand, der eine echte Wunde verursachte. Letztendlich bestand das Ziel darin, Amerikas Desensibilisierung gegenüber Gewalt in Frage zu stellen.
2. „Cybele's Ham – Bankett des Jahrhunderts“ von Ham Cybele (2012)
Für kurze Zeit, 8. April 2012, Der Lärm drang durch ein Tweet :
„[Bitte retweeten] Ich biete meine männlichen Genitalien (voller Penis, Hoden, Hodensack) als Nahrung für 100.000 Yen an... Ich werde auf Wunsch des Käufers am Ort seiner Wahl kochen und kochen.“
Anschließend versicherte er den Lesern die Qualität des Fleisches – 22 Jahre alt, frei von Krankheiten, Funktionsstörungen oder hormoneller Behandlung. Es war kein Bot. Der Tweet stammte vom Tokioter Künstler Ham Cybele (HC) und war ein ernstzunehmender Vorschlag. Zuvor wurden ihnen die Brustwarzen entfernt. Die Idee hinter diesem „Hodenbankett“ bestand darin, das Bewusstsein für „asexuelle“ (nicht-binäre) Rechte zu schärfen. Und obwohl einige versuchten, das schreckliche Essen abzusagen, verstieß dies nicht gegen das Gesetz. Kannibalismus ist in Japan legal alle US-Bundesstaaten außer Idaho .
Fünf Tage nach dem Tweet teilten fünf Gäste die Rechnung und sahen zu, wie HC seinen Penis, seine Hoden und seinen Hodensack mit Pilzen und Petersilie briet, während sie einem Klavierkonzert lauschten. Nachdem sie ein Dokument unterzeichnet hatten, das den Künstler von jeglicher Haftung für unerwünschte Reaktionen befreite, beruhigten sich die Gäste. Urteil? Gummiartig und geschmacklos . Aber das war nicht der Punkt.
1. „Rhythmus 0“ von Marina Abramovic (1974)
„Rhythm 0“ von Marina Abramović ist die Nummer eins auf dieser Liste, nicht weil sie als Künstlerin zu weit gegangen ist, sondern einzig und allein, weil das Publikum als ihr Publikum zu weit gegangen ist. Tatsächlich war sie schockierter als alle anderen.
Dasselbe konnte man von ihren früheren Werken Rhythm nicht sagen. In „Rhythm 10“ zum Beispiel gelang ihr ein alter Gangstertrick, indem sie schnell ein Messer zwischen ihren Fingern in einen Tisch rammte und nicht damit aufhörte, bis sie sich zwanzig Mal geschnitten hatte. IN „Rhythmus 5“ Sie sprang auf eine brennende sternförmige Plattform, verlor aufgrund von Sauerstoffmangel das Bewusstsein und musste von Zuschauern gerettet werden. Dann, beim zweiten und vierten Schlag, wurde sie erneut ohnmächtig, dieses Mal mit Absicht – zuerst durch Medikamente, dann durch Hyperventilation .
„Rhythmus 0“ war ein ganz anderes Biest. Als die Zuschauer den Raum betraten, fanden sie Abramovic passiv an einem langen Tisch stehen, auf dem sie 72 Gegenstände arrangiert hatte. Einige waren zum Vergnügen gedacht (Parfüm, Weintrauben, Wein), andere zum Schmerz (Peitsche, Nadel, Rasierklingen), während andere mehrdeutig oder neutral waren (Zeitung, Farbe, Lippenstift). Einige Gegenstände, wie zum Beispiel Klebeband, verursachten indirekt Verletzungen. Aber die schockierendsten Objekte waren die Kugel und die Waffe. Geschrieben Anweisungen waren einfach: „Auf dem Tisch liegen 72 Gegenstände, die nach eigenem Ermessen bei mir eingesetzt werden können.“ Ich bin ein Objekt. In dieser Zeit übernehme ich die volle Verantwortung.“
Abramovićs ganze Aufgabe bestand darin, ihre Grenzen auszutesten, aber hier stellte sie ihr Publikum auf die Probe. Sie wollte sehen, wie weit sie gehen würden. Zuerst waren sie verspielt. Aber sie wurden aggressiver. „Es waren sechs Stunden purer Horror“, erinnert sie sich. Jemand hat ihre Kleidung zerschnitten. Jemand hat ihr Dornen in den Bauch gesteckt.
Ein anderer nahm ein Messer, schnitt ihr nahe am Hals auf und trank das Blut, bevor er einen Verband anlegte. Jemand hob sie sogar, schon halbnackt, hoch und trug sie durch den Raum. Sie warfen sie auf den Tisch und stießen ein Messer in das Holz zwischen ihren Beinen. Schließlich lud jemand eine Waffe und richtete sie auf ihren Kopf. Sie „steckten meine Hand hinein“, erinnerte sie sich, „um zu sehen, ob ich sie, ihre Hand, gegen meine Hand drücken würde, wenn ich Widerstand leisten würde.“
Wie bei einigen ihrer anderen Werke brauchte es jemand anderen, um das Stück zu stoppen. Als der Galerist hereinkam und sagte, dass alles bereit sei, wachte Abramowitsch wie in Trance auf. Nackt und blutüberströmt, mit Tränen in den Augen, ging sie durch das Publikum und alle flohen; „buchstäblich zur Tür hinausgerannt.“ Als sie am Abend in ihr Hotelzimmer zurückkehrte und sich im Spiegel betrachtete, sah sie es „Eine wirklich große graue Haarsträhne.“
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