Les artistes modernes aiment choquer. Mais ce n’est pas particulièrement nouveau. S'il est facile d'imaginer que l'art ancien était limité par les sensibilités (supposément) subtiles et la morale puritaine de l'époque, de nombreux classiques sont éclipsés par les films d'horreur. Voici dix des plus alarmants.
10. Le Jardin des Délices terrestres - Jérôme Bosch, v. 1500-1505
Le titre de ce triptyque fait référence au deuxième panneau : « un faux paradis livré au péché de la luxure ». Le panneau de droite représente le véritable paradis terrestre, le jardin d'Eden, et le panneau de gauche représente l'enfer.
Naturellement, c’est cette dernière solution qui est la plus alarmante. Infestée de démons et d’âmes torturées, elle est aussi choquante aujourd’hui qu’elle l’était en 1505. Être Bosch, c'est beaucoup de choses à accepter : des âmes englouties entières par un démon à tête d'oiseau et jetées dans les égouts ; un cochon dans un voile de moine ; des personnes immergées dans de l’eau glacée ; les gens sont obligés de manger des crapauds ; et ainsi de suite. Il y a aussi un homme dont le cul est décoré de partitions (cette pièce peut être Ecoute maintenant ).
Bosch était non seulement un artiste, mais aussi un artisan . Les panneaux latéraux articulés révèlent une boule monochrome transparente : Terre au troisième jour de la création .
9. Araignée souriante - Odilon Redon, 1887
Enfant, Odilon Redon était un « enfant triste et faible » qui "J'ai cherché des ombres." C'est une vocation qui ne l'a jamais quitté. Lorsqu’on lui a demandé quel était son dessin préféré, il a simplement répondu : « Mes monstres ».
S'appuyant sur ses intérêts pour l'histoire naturelle, la psychiatrie et la microscopie, ses créatures au fusain et lithographiques étaient pour le moins cauchemardesques. Collectivement, ils sont connus sous le nom de noirs ou "choses noires". Outre l'araignée souriante (et son pleurer analogique ), ceux-ci comprennent : le squelette à cornes ; homme cactus; cyclope poilu; tête d'œuf dans un coquetier ; et la malheureuse fleur des marais.
Bien qu’ils soient incroyablement divers, la plupart d’entre eux ont une chose en commun : leurs visages humains ou leurs traits faciaux, même s’il ne s’agit que d’un œil. C'est typique du mouvement symboliste. Il représente le désir de l'artiste de s'efforcer d'atteindre des états et des visions plus élevés. Et même si son utilisation du noir uniquement peut sembler contraire à cet objectif, Redon a expliqué pourquoi il l'a choisi : « Il faut respecter la couleur noire, rien ne la prostitue. Cela n’est pas agréable à l’œil et n’éveille pas la sensualité. C’est un agent d’intelligence bien plus que la plus belle couleur sur une palette ou un prisme.
8. Le fantôme de Kohada Koheiji - Katsushika Hokusai, ca. 1831
Vous connaissez peut-être Hokusai grâce à son célèbre "Grande vague" . Mais il est aussi célèbre au Japon pour son peintures Yurei-zu avec des images de fantômes. Onri ? - esprits malveillants, popularisés la franchise "Anneau" , étaient des sujets très courants pour ce genre.
Cette gravure sur bois représente Hokusai comme le fantôme d'un homme assassiné. acteur théâtre kabuki Kohada Koheiji. Encastré femme et son amant dans un marais , Koheiji est revenu pour se venger. Il est intéressant de noter que les fonctionnaires de la période Edo a cherché à censurer cette œuvre non pas parce qu'elle faisait peur, mais parce qu'ils considéraient les acteurs comme immoraux.
Genre Yurei-zu n'a pas toujours suscité d'inquiétude ; certaines œuvres représentaient la bonne humeur, par exemple ubume - des mères décédées qui aspirent à leurs enfants. Mais ils sont tous assez effrayants.
7. Les meurtres brutaux de Saisaburo Ohagi - Yoshitoshi Tsukioka, ca. 1867
Semblable à Yurei-zu , mais centré sur le vivant, chimidoro-e (« sanglant ») et muzan-e gravures et peintures (« cruelles »). " Dernier Grand maître" estampes sur bois Yoshitoshi Tsukioka était prolifique dans ces deux genres. Tsukioka, reposant sur représentation Kabuki Et Mais , comprend les œuvres suivantes : Naosuke Gombei s'arrachant le visage ; Shirai Gompachi frappe son agresseur avec le feu ; Furuteya Hachirobei tue une femme dans un cimetière ; et Fukuoka Mitsugi avec des papiers volants et une tête coupée.
L'estampe présentée ici - Saisaburô Cruelly Murders Ohagi - est typique des genres violents et sanglants. Pris à partir de pièces Kabuki , Basé sur le roman, il montre Saisaburo, rejeté, coupant son amant avec une épée de samouraï. Puisque Ohagi est ligoté et suspendu, tout le pouvoir appartient au tueur.
6. « Têtes coupées » - Théodore Géricault, 1818
Géricault était fasciné par la mort et l'autopsie . À tel point que lors d'une opération chirurgicale pour une tumeur à la colonne vertébrale, il a refusé l'anesthésie pour observer derrière l'opération dans le miroir . Il est mort quelque temps plus tard.
« Têtes coupées » est une nature morte macabre de parties de corps qu'il conservait dans son atelier. Il gardait également des cadavres, qu'il utilisait comme mannequins pour étudier les morts. Tout cela était la préparation de son grand chef-d'œuvre "Le radeau de Méduse" (1818-1819), une autre œuvre inquiétante – du moins en termes politiques. Il dépeint les conséquences scandaleuses d’un récent naufrage au cours duquel des officiers supérieurs ont laissé mourir les grades inférieurs avant de se cannibaliser pour survivre. Géricault était tellement déterminé à mettre fin à cette critique de l'establishment qu'il rasa ses cheveux bouclés pour s'assurer de rester à l'intérieur par vanité.
5. Chien - Francisco Goya, 1819-1823
Entre 1819 et 1823, Francisco Goya, peintre de cour âgé et séparé, s'enferme dans une ferme. Il passa les années suivantes, sourd et seul, dessinant sur les murs par désespoir. Ces images n'étaient pas destinées à être visionnées. Mais un demi-siècle plus tard, le nouveau propriétaire du bâtiment déplaça les fresques sur toile . Collectivement, elles sont connues sous le nom de peintures noires, non pas tant en raison de leur palette sombre, mais plutôt en raison de leurs sujets et thèmes poignants. Selon le guide du musée du Prado, "Certaines personnes ne peuvent même pas les regarder."
La série comprend clan , sur lequel Satan est présent ; vieux cadavre en décomposition, manger de la soupe ; Et se battre jusqu'à la mort avec des matraques.
Cependant, beaucoup de gens s’inquiètent surtout du chien. C'est aussi le plus simple. Il n'y a pas de goules, de sourires effrayants ou de convives en décomposition ici ; il n'y a pas grand chose du tout. Tout ce que nous voyons, c'est une vague ondulation au premier plan (soit une colline, soit une vague), un ciel lourd en arrière-plan et, entre eux, une tête de chien solitaire. Quoi que vous fassiez avec l'image, son obscurité ne peut que vous déranger - comme si un aperçu du désespoir de Goya .
Il est intéressant de noter que sur les 15 tableaux trouvés seulement 14 sont entièrement comptabilisés . Le quinzième a été volé par le marquis de Salamanque, et nous ne savons toujours pas exactement ce qu’il contenait.
4. «Cauchemar» - Henry Fuseli, 1781
Cauchemar a toujours été populaire. Dès sa première exposition à la Royal Academy de Londres, elle « a suscité... un intérêt extraordinaire ». Tout le monde en voulait une copie. Les snobs de l'art ont même méprisé Füssli pour avoir permis tant de gravures ; Dans Sigmund Freud et Mary Shelley il y avait des dessins sur les murs.
Cependant, tout le monde n’a pas aimé le travail. Certains ont estimé qu'il manquait de leçons de morale : où était Dieu dans cette situation ? chambre chaise ? Cela n'avait pas d'importance pour l'artiste. Füssli recherchait ce que les romantiques appelaient le « sublime », c'est-à-dire l'émotion la plus puissante que nous ayons . Dans ce cas, lorsque notre regard rencontre celui du démon, c'est l'attraction de la peur et de l'attraction.
Il y a là aussi une histoire assez sombre. En écrivant Le Cauchemar, Füssli était amoureux de la fiancée de quelqu'un d'autre. En fait son portrait se trouve au dos de la toile . Dans une lettre à un ami, il racontait un rêve vivant où il faisait l'amour avec une femme et concluait que « quiconque la touche commet désormais l'adultère et l'inceste ! Elle est à moi et je suis à elle. Et je l'aurai. Cela ajoute certainement quelque chose au travail. Mais était-il un incube diablotin ou un cheval en colère dans un coin ?
3. Ivan le Terrible et son fils Ivan - Ilya Repin, v. 1883-1885
On pense qu’en 1581, Ivan le Terrible (le premier tsar de Russie) a tué son propre fils. On ne sait pas comment ni pourquoi. Certains disent que c'était une réaction au fait que il a vu la femme enceinte de son fils en sous-vêtements (insulte morale au roi). D’autres pensent que cela fait suite à un différend plus politique. C'était peut-être un accident, peut-être était-ce intentionnel, mais les remords ici sont désespérément évidents. Ce fils était le seul héritier d'Ivan ; l'autre était mentalement malade.
Même l’artiste était enthousiasmé par cette œuvre, « frappé de peur » alors qu’il peignait. Ilya Repin se souvient avoir travaillé de manière obsessionnelle « à la hâte » et avoir caché le travail entre eux. Une fois achevé, il fut interdit par Alexandre III et également caché des regards indiscrets (la première interdiction de ce type dans l'histoire de la Russie). Bien qu'il n'ait pas été censuré trois mois plus tard, il fait depuis lors l'objet de controverses. On pourrait même dire hanté.
En 1913, un peintre d’icônes brandit un couteau sur la toile, tailladait les visages en criant « plus de mort, plus d’effusion de sang ! » Et lorsque le conservateur de la galerie a appris cette nouvelle, il s'est jeté sous un train. Repin a ensuite restauré l'ancien tableau, mais le travail n'a jamais été fiable. Un autre homme a attaqué le tableau en 2018, brisant le corps du jeune Ivan avec un poteau accroché à la clôture de corde de la galerie. Comme beaucoup de Russes, le vandale considérait Ivan comme un saint , et l’image est blasphématoire.
2. La Tentation de Saint Antoine - Salvator Rosa, 1645
Salvator Rosa s'intéressait aux démons, aux sorcières, aux messes noires, etc. Il imagine ici la rencontre de saint Antoine avec les démons de l'enfer dans le désert. Bien que ce ne soit pas la représentation la plus célèbre du conte (rarement mentionnée), elle est certainement la plus troublante. Même Bosch Et Dalí ne pouvait pas être pleinement à la hauteur de cette vision.
Il a puisé des idées pour cette créature dans les bestiaires médiévaux, ainsi que dans les peintures de Bosch. Cependant, cela n’aurait pas l’air déplacé dans un film d’horreur. Comment un blogueur d'art l'a remarqué , en cela il y a quelque chose de xénomorphe . Aujourd’hui encore, 400 ans plus tard, nous sommes toujours troublés par ce démon.
Cependant, la partie la plus effrayante doit être le nombril car il nous indique que cette chose a une mère.
1. « Saturne dévorant son fils » - Pierre Paul Rubens, 1636
Saturne est le nom romain de Cronos, le titan de la mythologie grecque qui personnifiait le vieillissement et le temps. Selon un mythe ancien, il aurait usurpé le trône de son père Uranus en tant que souverain de l'univers. Il eut alors peur qu'un de ses propres fils fasse de même, alors il les dévora dès leur naissance (sauf Zeus, qui s'est enfui ).
Le célèbre tableau de Rubens n’est pas la seule représentation du mythe ; Goya en a également réalisé un de ses "Peintures noires". Mais c’est l’un des plus inquiétants, notamment parce qu’il nous donne un sentiment d’impuissance. Nous ne pouvons rien faire d’autre que de regarder l’enfant mourir. C’est un sentiment bien trop courant de nos jours, lorsque les médias couvrent les conflits internationaux, dont la plupart impliquent également des vieillards égoïstes sacrifiant les jeunes pour maintenir leur pouvoir mal acquis. En conséquence, ce tableau a été commandé par Philippe IV d'Espagne pour un de ses pavillons de chasse .
Au cas où vous vous poseriez la question, les trois lumières en haut sont une image planète Saturne . Avant l’invention des télescopes, les astronomes considéraient les anneaux comme des étoiles ou des lunes périphériques.
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